Scarlett Johansson conseguiu mais duas indicações nesta temporada de premiações, desta vez foram do Critics’ Choice Awards. História de Um Casamento e Jojo Rabbit também receberam indicações (8 e 7, respectivamente). Confira as indicações dos dois filmes que Scarlett atua:

MELHOR FILME

  • 1917
  • Ford v Ferrari
  • The Irishman
  • Jojo Rabbit
  • Joker
  • Little Women
  • Marriage Story
  • Once Upon a Time… in Hollywood
  • Parasite
  • Uncut Gems

MELHOR ATOR

  • Antonio Banderas – Pain and Glory
  • Robert De Niro – The Irishman
  • Leonardo DiCaprio – Once Upon a Time… in Hollywood
  • Adam Driver – Marriage Story
  • Eddie Murphy – Dolemite Is My Name
  • Joaquin Phoenix – Joker
  • Adam Sandler – Uncut Gems

MELHOR ATRIZ

  • Awkwafina – The Farewell
  • Cynthia Erivo – Harriet
  • Scarlett Johansson – Marriage Story
  • Lupita Nyong’o – Us
  • Saoirse Ronan – Little Women
  • Charlize Theron – Bombshell
  • Renée Zellweger – Judy

MELHOR ATRIZ COADJUVANTE

  • Laura Dern – Marriage Story
  • Scarlett Johansson – Jojo Rabbit
  • Jennifer Lopez – Hustlers
  • Florence Pugh – Little Women
  • Margot Robbie – Bombshell
  • Zhao Shuzhen  – The Farewell

MELHOR ATOR/ATRIZ JOVEM

  • Julia Butters – Once Upon a Time… in Hollywood
  • Roman Griffin Davis – Jojo Rabbit
  • Noah Jupe – Honey Boy
  • Thomasin McKenzie – Jojo Rabbit
  • Shahadi Wright Joseph – Us
  • Archie Yates – Jojo Rabbit

MELHOR ELENCO

  • Bombshell
  • The Irishman
  • Knives Out
  • Little Women
  • Marriage Story
  • Once Upon a Time… in Hollywood
  • Parasite

MELHOR DIRETOR

  • Noah Baumbach – Marriage Story
  • Greta Gerwig – Little Women
  • Bong Joon Ho – Parasite
  • Sam Mendes – 1917
  • Josh Safdie e Benny Safdie – Uncut Gems
  • Martin Scorsese – The Irishman
  • Quentin Tarantino – Once Upon a Time… in Hollywood

MELHOR ROTEIRO ORIGINAL

  • Noah Baumbach – Marriage Story
  • Rian Johnson – Knives Out
  • Bong Joon Ho e Han Jin Won – Parasite
  • Quentin Tarantino – Once Upon a Time… in Hollywood
  • Lulu Wang – The Farewell

MELHOR ROTEIRO ADAPTADO

  • Greta Gerwig – Little Women
  • Noah Harpster e Micah Fitzerman-Blue – A Beautiful Day in the Neighborhood
  • Anthony McCarten – The Two Popes
  • Todd Phillips & Scott Silver – Joker
  • Taika Waititi – Jojo Rabbit
  • Steven Zaillian  – The Irishman

MELHOR COMÉDIA

  • Booksmart
  • Dolemite Is My Name
  • The Farewell
  • Knives Out
  • Jojo Rabbit

MELHOR TRILHA SONORA

  • Michael Abels – Us 
  • Alexandre Desplat – Little Women
  • Hildur Guðnadóttir – Joker
  • Randy Newman – Marriage Story
  • Thomas Newman – 1917
  • Robbie Robertson – The Irishman

A premiação acontecerá no dia 12 de janeiro e a lista completa de indicados pode ser vista aqui.

A lista anual de indicados para o Globo de Ouro 2020 foi publicada nesta segunda, 09, e Scarlett foi uma das indicadas.

Johansson é uma das nomeadas para acategoria de Melhor Atriz (Drama).

“Fazer ‘Marriage Story’ com Noah Baumbach e o nosso incrível elenco foi um dos pontos altos da minha carreira. A indicação desta manhã pela HFPA é uma maneira bonita de celebrarmos o trabalho que nós fizemos juntos.”

Scarlett para a Variety sobre sua indicação

Marriage Story recebeu seis indicações:

  • Melhor Roteiro (Noah Baumbach)
  • Melhor Trilha Sonora Original (Randy Newman)
  • Melhor Atriz (Scarlett Johansson)
  • Melhor Ator (Adam Driver)
  • Melhor Atriz Coadjuvante (Laura Dern)
  • Melhor Filme (Drama)

Jojo Rabbit, de Waititi, recebeu duas indicações:

  • Melhor Filme (Comédia ou Musical)
  • Melhor Ator (Comédia ou Musical) (Roman Griffin Davis)

A premiação acontecerá em 5 de janeiro de 2020.

As nomeações para o Spirit Awards foram divulgadas na quinta, 21, e Marriage Story (elenco, direção, e direção de elenco) será premiado com o Prêmio Robert Altman. *

Além disso, o filme foi indicado a Best Feature, prêmio dado ao(s) produtor(es) (Noah Baumbach e David Heyman) e a Best Screenplay, dado ao diretor.

A premiação acontecerá em 08 de fevereiro de 2020.

Confira aqui a lista completa de indicações.

* devido a isso, Scarlett Johansson e Adam Driver tornam-se inelegíveis em categorias individuais de atuação.

Em uma entrevista em grupo, Noah Baumbach, Scarlett Johansson, Adam Driver e Laura Dern têm uma conversa franca sobre a criação do seu filme da Netflix, que segue a dissolução de um casamento.

Se as paredes desta Townhouse Suite do Sunset Tower Hotel pudessem falar, elas contariam contos de uniões felizes e separações dolorosas, bem como glória de temporada de premiações. Por isso, o lendário estabelecimento em West Hollywood, que hospedou tantas festas do Oscar, é um local completamente apropriado para os talentos do novo filme Marriage Story.

O escritor e diretor Noah Baumbach, 50, foi muito além de seu próprio divórcio com Jennifer Jason Leigh para elaborar um roteiro abrasador. Scarlett Johansson, 35 anos, interpreta Nicole, uma atriz de longa data na companhia de teatro de Nova York que se muda para Los Angeles com seu filho, Henry, para um piloto de TV após sua separação. Adam Driver, 36 anos, interpreta o marido de Nicole, Charlie, um diretor que está acostumado a controlar, mas se vê sem qualquer meio em meio ao processo de divórcio e guarda do filho. E Laura Dern, 52, como a advogada de divórcio nutridora, ainda que feroz, de Nora, lembra-nos que, embora um casamento possa ser entre duas pessoas, um divórcio raramente é.

O filme começa com um pouco de desvio de direção, pois Nicole e Charlie listam os traços que mais admiram um no outro, que é revelado como um exercício para um mediador de divórcio. É a primeira de muitas cenas inesperadas da dissolução de um casamento. (Baumbach incluiu uma alusão às cenas de um casamento de Ingmar Bergman e diz que o estilo de contar histórias é “quase picaresco, como Candide.”) Alguns momentos são de partir o coração: depois que o divórcio é finalizado, Nicole percebe o sapato desamarrado de Charlie e instintivamente o amarra. Outros pontuam a dor com um absurdo cômico, como a veiculação elaborada coreografada de documentos de divórcio. Outros ainda desafiam as doutrinas do drama dos personagens, como quando Charlie começa a implorar a música de Stephen Sondheim, “Being Alive”. (Exemplo de verso: “Alguém precisa muito de mim / Alguém me conhece muito bem / Alguém me puxa para baixo / E me faz passar pelo inferno. ”). O efeito avassalador do filme é uma sensação de intimidade.

Esta reunião de final de outubro tem essa sensação também. Enquanto o diretor e as estrelas do filme tomar seus lugares para discutir o filme (nos cinemas agora e streaming na Netflix 06 de dezembro), Dern comenta sobre a última vez que viu o filme : “As coisas que me atingiram que eu não vi ou não li na primeira vez são as que mais quebram meu coração”. Driver comenta o quão essencial era que eles pudessem se abrir durante as filmagens. “Você meio que faz a si mesmo e ao filme um todo um desserviço”, diz ele, “se você guardar para si mesmo, se estiver em sua própria jornada particular”. Johansson credita a curadoria do elenco de Baumbach. “É como um jantar”, diz ela, “e você precisa descobrir como todas essas peças se encaixam para tornar uma noite realmente memorável e ótima.” Enquanto ela e Baumbach tomam seus drinques, Dern abre uma garrafa de refrigerante. que explode em cima da mesa. “Esta é a nossa primeira reunião em grupo”, explica Baumbach. “Você vai nos ajudar a resolver os problemas”.

Alex Bhattacharji: O título, Marriage Story, levanta a pergunta: Você sente que o filme é sobre uma união ou um divórcio, a inevitabilidade da separação ou uma declaração de que a história de uma relacionamento pode ser melhor, ou talvez apenas, entendida enquanto ele está sendo desmantelado?

Noah Baumbach: Bem, eu achei que era uma oportunidade de fazer uma história de amor e talvez encontrar uma maneira diferente de contar uma história de amor fazendo isso no curso de um divórcio. E essa noção, que se algo não está funcionando, você olha para isso de uma maneira diferente. Se seu carro quebra, você levanta o capô e olha para o que faz o carro para tentar consertar o carro. Eu fiz isso de uma maneira —documentando algo se separando, você poderia na verdade contar a história do casamento em si, que é parcialmente por que tem o título que tem. E também, essa ideia— só porque uma coisa acaba não significa que não existiu. O processo de divórcio, a indústria do divórcio, existe para criar lados e partir e criar divisão por definição, mas não significa que a história de amor não era verdadeira. Com o passar do filme, nós vemos que existe amor em cada cena não importando o quão litigiosas as coisas se tornam.

AB: Eu entendo que o Noah falou com todos vocês três sobre participar do projeto antes que ele tivesse completado o roteiro. Scarlett, como você começou a dar forma à sua personagem com ele?

Scarlett Johansson: Minha experiência foi um pouco diferente porque Noah e eu tentamos trabalhar juntos 10 anos atrás ou mais em algo que eu não acho que era a coisa certa para nós fazermos. Eu acho que de alguma maneira estranha, nós estávamos destinados a esperar para fazer isso juntos. Quando nos vimos novamente, foi como se o tempo não tivesse passado, e de alguma forma nos conhecíamos melhor que nós mesmos — isso acontece às vezes, eu acho, quando é pra ser. Ele ainda estava trabalhando [na história], e eu acho que era meio que abstrata. Eu tinha enfrentado um divórcio na época. Então eu estava interessa no que ele estava falando, e tivemos muito a compartilhar como duas pessoas. Então em algum ponto, ele me deu umas páginas — a história da Nicole que ela conta à Nora. Foi bem antes de ele entregar o roteiro finalizado… e então terminamos trabalhando juntos um dia de alguma forma. Aconteceu naturalmente daquela maneira.

NB: Eu direi que acho que você estava enfrentando um divórcio e alguém veio até você e disse, “Eu quero fazer esse filme que retrata basicamente as crônicas de um divórcio,” muitos atores diriam, “Um, talvez o próximo.” Eu estava ansioso para conversar sobre isso com ela para começar, mas de uma forma, o casamento da Scarlett, o fato de que ele na verdade a aproximou disso, era muito animador porque se tornou um diálogo em certo ponto, também. Muitas pessoas, compreensivelmente, podem ir para outra direção, mas para ela o divórcio era uma razão para fazer, e não para não fazer.

AB: Adam, você trabalhou em alguns dos filmes passados do Noah incluindo Frances Ha e While We’re Young. Quando você decidiu entrar neste projeto?

NB: Quando fizemos Frances Ha, eu o fiz assinar para, tipo, um contrato de nove filmes. Isso não se sustentaria no tribunal, mas ele não sabe disso.

Adam Driver: Nós começamos a falar sobre isso no jantar, e foi tipo isso. Foi meio que um ano ou quase antes de começarmos.

NB: Adam, eu vou te citar na sua frente. Adam fala sobre o fato de que durante os filmes que nós fizemos juntos, tem sido um tipo de conversa contínua, e há menos de uma linha divisória —que eu acho, em todo caso—entre projetos.

AD: Parece perfeito de uma maneira como uma trupe ou empresa de atuação – onde todos conhecem seus pontos fortes, fracos e vulnerabilidades, e às vezes você tem a oportunidade de interpretar coisas que são contrárias a isso e, às vezes, a oportunidade de fazer coisas que parecem muito com você. Quero dizer, que feedback mais criativo você consegue? Você almeja honestidade e, às vezes, com o sucesso, você obtém cada vez menos. Honestidade e a dura realidade, freios e contrapesos – se você tem isso de uma maneira construtiva com alguém, isso é ouro.

NB: Além disso, somos amigos, e então muitas coisas que entraram no filme foram coisas das quais tínhamos falado sobre até geralmente, como “Oh, isso seria uma boa coisa no filme.” Cantar “Being Alive”, por exemplo, foi algo que nós falamos sobre, e nós estávamos falando sobre a companhia de teatro mesmo independente deste filme. Você estava, como eu me lembro, tendo a ideia de interpretar um diretor de teatro, e por muitas das razões que você disse, de certa forma, acrescenta riscos ainda mais altos – como se você pudesse obter riscos mais altos do que um casamento se desfazendo – porque é um relacionamento profissional que também está se desfazendo. É outro elemento que os dois estão perdendo.

AB: Laura, como você conseguiu entrar nessa alegre banda?

Laura Dern: Eu acho que há um desejo de que todos nós estejamos, como atores, compartilhando, o que envolve família e encontrar sua tribo. Quando mais nova, eu encontrei a família através de filmes, e eu precisava disso. Eu estava me descobrindo através desses relacionamentos e dessa intimidade. E é isso que é tão louco por esse sentimento indescritível. Tive o privilégio de conhecer Noah e, literalmente, algo acontece onde você olha do outro lado da sala e diz: “Eu vou te escolher, e vou me forçar para você. Eu tenho que fazer parte da sua família.

AB: Sua personagem, Nora, não faz parte do casamento, mas ela muda a visão de Nicole sobre seu casamento e de si mesma e dá ao divórcio uma nova direção. Isso foi uma grande responsabilidade para você?

LD: Eu amo como um indivíduo pode entrar e talvez fazer você se sentir ouvida e escutar profundamente de uma maneira que talvez ninguém tenha escutado – e então começa a guiar para uma narrativa que eles decidiram ser sua, porque o final do jogo é “isso será a vitória. ”A estratégia, implacável e aparentemente generosa, é uma coisa super estranha no negócio do divórcio. Apesar do desgosto ou da dissolução deles, eles estavam em uma certa trajetória e depois alguém disse: “Não, na verdade é isso que você quer.” “Ah, então você quer morar aqui?” “Ah, essa é a sua história ?

NB: As pessoas me disseram que Nicole não teria conseguido o que queria se não tivesse trazido a Nora.

AB: Nora também faz uma palestra para Nicole sobre a paternidade, que começa: “Podemos aceitar um pai imperfeito … Nós os amamos por suas falibilidades. Mas as pessoas absolutamente não aceitam essas mesmas falhas nas mães … Porque a base de nossa judaico-cristã o que quer que seja é Maria, Mãe de Jesus, e ela é perfeita. ”. O que significava fazer esse discurso apaixonado?

LD: Para mim, é como o maior presente de todos os tempos dizer essas palavras e interpretar alguém pelo qual tenho pouca tolerância de uma maneira e vê-la estar tão certa quanto qualquer um que já tenha descrito como – no mundo do direito, na negócio de divórcio – as mães são medidas comparativamente. Então isso foi incrível.

AB: Noah, você também escolheu Alan Alda e Ray Liotta como advogados de Charlie – sem mencionar Julie Hagerty, Merritt Wever e Wallace Shawn para participar deste filme. Você já trabalhou com alguns elencos impressionantes antes. Como você os rankearia?

SJ: Sim, como nós estaríamos rankeados?

NB: Um segundo próximo — não, quero dizer, você escolhe Alan Alda como um advogado e Ray Liotta como outro e seu trabalho está feito. Eles são tão incríveis e também o público investe muito neles assim que os veem. E nós podemos brincar com isso e ajustar isso. É como contar histórias no elenco, o que sempre é uma coisa ótima

AB: O roteiro de Noah era algo vivo e evolutivo por como soava. Houve momentos específicos que se destacaram quando você o leu? (Esta é uma chance de praticar dizendo coisas boas sobre o trabalho de Noah.)

NB: Isso pode ser legal.

AD: Quero dizer, essa é uma pergunta difícil, porque há tantas coisas. Eu acho que você pode jogar um dardo em uma página e encontrar algo que foi observado com atenção. Acho que é uma coisa incrivelmente voyeurista, e muito provém obviamente de um claro amor por seus personagens.

AB: O filme é pontuado com muito humor, às vezes sombrio e às vezes não. Como você conseguiu escapar do peso emocional do que estava filmando?

SJ: Eu acho que todo mundo trabalha de uma maneira diferente. Alguns atores precisam ficar em um determinado ambiente para trabalhar, e tudo bem. Mas não posso fazer isso, porque não tenho resistência para isso. Então eu tenho que não manter o peso, mesmo que haja peso. Eu preciso sair do bolso para ter alguma perspectiva e absorver notas e o que for. Senti que, no nosso set, todos provavelmente tinham uma maneira semelhante de trabalhar, o que é sempre conveniente. Acho que todos compartilhamos um senso de humor similar, onde apreciamos a ironia da vida e também podemos encontrar hilaridade em coisas miseráveis – porque algumas coisas miseráveis também são hilárias.

AB: Quais foram algumas das cenas que você achou particularmente desafiador?

AD: Geralmente, há uma cena no roteiro ou em uma programação que você sempre teme — que você pensa demais ou antecipa porque é emocionalmente ou fisicamente difícil. Mas isso foi todos os dias deste filme. Você sente que é muito cedo na programação para fazer essa cena, porque as apostas eram muito altas em todas as cenas. Você sente como: “Ainda não encontrei meu equilíbrio no meu personagem. É muito cedo para a cena do Halloween; ou é muito cedo para a nossa luta; ou é muito cedo para qualquer cena “.

SJ: Um momento, em particular, que me lembro foi o cadarço amarrado no final do filme. Isso me fez chorar quando li porque achei muito tocante. E então, quando filmamos, eu tinha todos esses sentimentos que projetei naquele momento, e Noah disse: “Basta olhar para trás e perceber, e amarrar o cadarço. Apenas faça, você sabe? ”Eu pensei, ok. E essa é a melhor parte, certo? É apenas um instinto. Não está carregado com nada, o que é maravilhoso e comovente no gesto. Às vezes você pode processar em excesso. E a resposta é realmente apenas fazê-lo. E não atuar.

LD: Isso é uma coisa incrível, porque quando você está lendo, e você se emociona, — porque eu estava chorando quando li o roteiro — você deseja que todos os outros sintam a crueza que você sentiu ao lê-lo.

AB: Quais foram suas reações quando você viu o corte final do filme?

SJ: Isso raramente acontece, mas eu senti que o filme parecia exatamente como eu imaginava. Noah fez o filme sobre o qual falamos, e parecia exatamente como deveria ser, e não consigo dizer o quão raro isso é.

NB: Essa é uma das coisas mais legais que um ator já me disse depois de ver o filme. Você disse exatamente isso: este é o filme que pensei que estávamos fazendo. Por ser tão difícil mostrar aos atores [um filme] pela primeira vez, por razões compreensíveis, a experiência deles em fazer o filme é necessariamente fragmentada e no momento. Enfim, essa foi uma das coisas mais legais. Isso e Laura soluçando em sua mensagem para mim.

SJ: Mensagem de voz? Você estava chorando?

LD: Era mentira. Na verdade eu estava indignada. Adam e eu tivemos uma cena enorme que ele cortou. [Risos] E eu estava chateada.

AB: Adam, e você?

AD: Eu não assisti, mas ouvi dizer que é muito bom.

NB: Mas Adam não assiste nenhum de seus filmes

AB: Adam, presumivelmente você tem pessoas próximas a você, como talvez sua esposa, que já viram?

AD: Claro. Eles têm que assistir. E eu confio na opinião de Noah. Ele parecia empolgado quando estávamos montando, mas sim, a resposta foi grande demais de uma maneira sobre a qual eu não tenho responsabilidade. Estou empolgado por todas essas coisas terem acontecido. Estou incrivelmente orgulhoso de fazer parte disso.

AB: É uma reflexão profunda sobre relacionamentos profissionais e pessoais. Noah, sua parceira romântica e às vezes profissional, Greta Gerwig, já viu o roteiro e o filme em algum momento?

NB: Bem, Greta também fazia parte disso desde o início. Quero dizer, estamos em um diálogo constante. Acho que a primeira vez que mostrei a ela, ela assistiu na sala de corte e enviou uma foto de si mesma chorando após a montagem de abertura. Minha resposta foi: “Guarde seu telefone!” Mas, quero dizer, ela também faz parte de muitas maneiras, e quero impressioná-la o tempo todo de qualquer maneira — fiquei animado com a reação dela..

AB: Noah, eu sei que não é diretamente autobiográfico, mas como o filme é sobre relacionamentos e co-parentalidade, posso perguntar se sua ex-esposa, Jennifer, já o viu, ou se você conversou com ela sobre isso?

NB: Eu mostrei a ela o roteiro e depois lhe mostrei o filme há pouco. Ela gostou muito.

AB: Obviamente, não é literal nem autobiográfico para o resto de vocês ….

LD: Bem… [num tom de humor] houve uma exibição na Netflix com todos os nossos ex. [Risada] E eu tenho que dizer que foi muito emocional. Fizemos um Q&A depois, que foi realmente pessoal e poderoso.

NB: Sim, todos nós sentamos juntos em pequenas namoradeiras. [Risos] Foi estranho. Eu não vou mentir.

SJ: Você disse que gostou da experiência. Você mentiu sobre isso?!

Quando o roundtable anual de atrizes do THR começa, a estrela Judy Renée Zellweger toma um gole rápido de seu copo de água. “Eu estava pegando isso para me preparar para não ser a primeira”, brinca Zellweger, 50 anos.
Claro, existe algum nervosismo entre as seis atrizes que se reúnem para uma conversa de uma hora sobre suas performances de destaque em 2019 e a indústria como um todo, mas também há uma sensação de camaradagem e emoção porque, como diz Laura Dern, “isso é um raro presente, chegamos a estar em comunidade como agora”.


Dern, 52 anos, que dá um forte apoio a Little Women, de Greta Gerwig, e se reune com Scarlett Johansson, com quem ela estrela História de Casamento de Noah Baumbach. Johansson, 34 anos, que também impressiona em Jojo Rabbit de Taika Waititi, se junta a Jennifer Lopez, 50 anos, de Hustlers, Lupita Nyong’o, 36 anos, e Awkwafina de The Farewell, 30.


Seus caminhos e projetos são muito diferentes, mas durante essa discussão, as atrizes – que falam sobre a navegação em Hollywood, a mídia e as consequências do movimento #MeToo – descobrem que o que elas têm em comum é, por baixo de tudo, o desejo de fazer um show. “É isso que fazemos. Nós nos apresentamos, vamos lá, seja na frente de 50.000 pessoas no palco ou na frente de 300 caras no set, temos que nos apresentar”, diz Lopez. “Você precisa fazer isso.”


Quando você ficou mais assustada ou intimidada por um papel e como conseguiu superar isso?



RENNÉ ZELLWEGER: Isso acontece todas as vezes antes de você começar. Sua síndrome do impostor se infiltra – será o momento em que todos saberão que você é uma fraude e que você será demitido. Torna-se menos medo e provavelmente mais apenas um senso de responsabilidade à medida que envelhecemos, e eu venho fazendo isso há algum tempo. Mas sempre faz parte da alegria, porque se isso não assusta você, então…

JENNIFER LOPEZ É a emoção.

ZELLWEGER: Sim, por que você está fazendo isso se não der…

LOPEZ: …te assusta. (riso.)

LAURA DERN: Eu fiz um filme, Citizen Ruth (1996), que era, na época, o mais diferente de alguém que eu já havia interpretado. Quero dizer, isso foi um desafio e naquele momento me senti assustada porque era uma comédia muito sombria. Tentar seguir essa linha incomum no roteiro foi tão divertido e aterrorizante.

LUPITA NYONG’O: Eu diria que Us me aterrorizou um pouco.

DERN: E nós. (riso.)

NYONG’O: Toda vez que trabalho, me pergunto se tenho o que é preciso para desempenhar esse papel específico, porque estamos em um negócio em que estamos sempre começando novamente: você começa com a ignorância em todos os papéis. E a preparação é sobre passar dessa ignorância para, esperançosamente, um senso de especialização no momento em que o filme termina.
Mas eu tive que interpretar dois personagens em um filme. Eu tive o tempo que normalmente me leva para me preparar para um. E esses dois personagens são diametralmente opostos um ao outro. Eles são individuais, mas também são duas entidades que, em última análise, são uma. Então isso foi um desafio, apenas em termos de como organizá-lo na minha cabeça e como diferenciá-los e, no entanto, parecer duas partes de uma entidade.

LOPEZ: Com Hustlers, essa foi a primeira vez em muito tempo que fiquei realmente aterrorizada, realmente assustada, ao fazer aquele número de abertura (pole dancing), que sugeri, é claro. (Risos.) Foi minha culpa que eu estava lá para começar. Não estava escrito no roteiro. E eu fiquei tipo, não, ela é a grande lucradora do clube – ela tem que mostrar o porquê. Não podemos dizer, temos que fazê-lo. Eu tenho que dançar no poste, eu tenho que mostrar a eles, eu tenho que ir lá.
Então, quando eu estava lá e estava com o fio dental, estou lá de uma maneira que nunca estive. Foi tão assustador, eu fiquei tão aterrorizada. Estou de roupão e há 300 figurantes, todos homens. Eu acho que estava me colocando lá, de certa forma, mais profundo do que eu já havia feito física e emocionalmente, e interpretando um personagem que não era desculpável de tantas maneiras. Era tão diferente de quem eu era.


Scarlett, você teve dois projetos muito diferentes este ano. Um era mais intimidador que o outro?

SCARLETT JOHANSSON: Com História De Um Casamento, o que as pessoas não percebem necessariamente é que toda hesitação e toda frase inacabada são todas escritas – as palavras são as palavras, e você precisa se ater a isso. Noah (Baumbach, o escritor e diretor) é um verdadeiro defensor disso, o que é bom. Às vezes era desafiador, apenas porque Noah é implacável e trabalha até a exaustão. Eu nunca fui capaz de ter essa experiência, apenas gravando filmes assim.

LOPEZ: Estou ouvindo você e fico emocionada. Eu gostaria de estar lá para ter visto. Porque o desempenho é o ideal, certo? Porque é isso que fazemos, realizamos, vamos lá, seja na frente de 50.000 pessoas no palco ou na frente de 300 caras em um set, e temos que nos apresentar. Você precisa fazer isso.

Laura, além de trabalhar em História de Casamento com Noah Baumbach, você também trabalhou com Greta Gerwig em Little Women. Eles são parceiros na vida real. Como você compararia seus estilos de direção?

DERN: Eu acho que os dois – como Scarlett descreveu com Noah – ambos são exatos sobre as palavras porque, na verdade, acho que como dramaturgo, eles realmente ouvem um ritmo na linguagem. Com Noé, ele tem sua própria natureza específica. E uma coisa pela qual me senti tão inspirado, e acho que encontramos nos ensaios: mesmo quando não estamos nas cenas com as pessoas em questão, quando é com Adam (Driver) com seu advogado ou com Scarlett e eu juntas, ele sente que há realmente uma musicalidade no filme. Quero dizer literalmente também – algumas músicas reais do filme. Mas acho que ele ouve um ritmo, Noah, que está esperando que todos ressoem de uma maneira realmente bonita. Foi lindo se render a essa disciplina, não tentar encontrar seu próprio ritmo fora dela e ter liberdade emocional dentro da cena, mas realmente confiar na linguagem dele. E eu diria que Greta também tem isso.
No caso de Greta, ela também estava adaptando Little Women, queríamos honrar as palavras de Louisa May Alcott e outra vez, aparentemente. Mas ela confia tão brilhantemente em quão moderna é a história, em quão moderna é a escrita de Louisa e em quão clara uma revolucionária Louisa era através desses personagens – complicadas e bonitas, diferentes personagens femininas – que ela escreveu. Mas também que ela ouviu a língua de uma maneira que eu acho muito semelhante à maneira como ela e Noah trabalharam e colaboraram como co-roteiristas e ela como atriz. Que existe um ritmo na linguagem que ela traz que é aparentemente confuso e alegre e complicado e com raiva e todas essas coisas, mas é muito estratégico.


O que você faz quando trabalha com um ator e não está funcionando porque não há química?

NYONG’O: Fui treinado no teatro, e é aí que me sinto mais em casa. O interessante do filme é que você corre o risco de ter um ator que não responde, porque no palco são os artistas responsáveis ​​pela mágica, enquanto no filme há outras pessoas encarregadas da magia.
Sim, os artistas fazem o que fazem, mas depois há o editor que, em última análise, é quem une a performance. Depois, há a câmera e essas coisas estranhas nas quais você não pode olhar para a pessoa com quem está agindo, você precisa olhar para o X ou algo assim. Então, todas essas coisas atrapalham ou tornam o intercâmbio humano um pouco mais desafiador. Portanto, acho que é mais provável que você encontre momentos com um ator em que as coisas não estão fluindo – porque há muitas outras coisas com as quais lidar. Você tem que ser muito mais autoconfiante no cinema, é o que estou percebendo – você deve ser capaz de controlar seu desempenho de uma maneira que não precise necessariamente confiar na outra pessoa.

AWKWAFINA: Gostaria de saber agora se sou aquela pessoa em que [as pessoas dizem]: “Simplesmente não havia uma conexão lá, não sei o que estava acontecendo”. (Risos.) Não, acho que para mim, se você vier ao set e se o outro ator estiver tendo um dia ruim, sinto que a energia sairá um pouco. E não é culpa de ninguém. Você percebe que eles também são humanos e têm os mesmos medos. [É sobre] apenas conhecer essa empatia e saber que nós dois estamos aqui, passando por isso.



Renée, houve um certo ponto no processo em que você sentiu que interpretar Judy Garland em Judy realmente se encaixava no seu lugar – se foi quando você se vestiu ou no set?

ZELLWEGER: Não, isso não aconteceu. Era um processo que estava em constante movimento – apenas pequenas experiências – e estávamos tentando as coisas todos os dias. E não parecia fazer um filme; parecia essa celebração dela porque todo mundo veio para se arrumar e foi motivado pelo mesmo carinho ou adoração por ela. Alguém encontrava uma gravação ou líamos algo em um livro, e estávamos sempre compartilhando e ajustando de acordo com o que aparecia, fazendo escolhas no dia e apenas conjurando sua essência o mais sinceramente possível com base nessas coisas, que tesouro que estávamos explorando todos os dias.

JOHANSSON Houve um tempo, alguma semana ou algumas semanas, em que você se sentiu repentinamente que podia ser brincalhão e meio que tomar decisões ou agir por seu instinto porque era Judy na época? Com todas as pessoas ao seu redor, quem quer que seja, seja o departamento de câmeras tentando descobrir como capturar esse desempenho e, em seguida, sua equipe de cabelos e maquiagem e todas essas coisas – e então eu sinto que às vezes algumas semanas você está tipo, “Oh, eu posso andar no set como essa pessoa e eu tenho esse playground e posso fazer tudo isso”. Você sempre teve essa coisa que está descrevendo onde parecia que tinha que experimentar todas essas coisas diferentes?

ZELLWEGER: Nunca foi desconectado. Quero dizer, parece tão louco, mas parecia – sua essência era palpável no set porque sua música estava sempre tocando e estávamos sempre ouvindo gravações de sua voz.

LOPEZ: A música – quando toquei Selena, uma das coisas que mais me impressionou no corpo dela foi a apresentação. Porque você olha para ela e tenta imitá-la um pouco e depois deixa isso ir e apenas vive, certo? Mas a música e a performance real – é isso que temos são as coisas reais onde você pode realmente assisti-la, porque você não conseguiu falar com ela pessoalmente, o que é a parte mais difícil. A música era uma parte tão grande disso, eu me pergunto se isso era o mesmo para você.

ZELLWEGER: Ah, sim, com certeza. Bem, porque existe uma linguagem de desempenho desenvolvida há muitos anos.

LOPEZ: Sim, e uma linguagem corporal.

ZELLWEGER: Sim, e quando isso se torna familiar, torna-se um hábito e você não pensa mais sobre isso.

LOPEZ: Você gosta de interpretar uma pessoa real?

ZELLWEGER: Oh, sim.

LOPEZ: Eu amo interpretar pessoas reais. Eu sinto que é como se você tivesse uma planta. Você é como, eu sei exatamente o que estou fazendo. (riso)

ZELLWEGER: Sim, é bom ter um ponto de referência, vários pontos de referência, mas as responsabilidades também são diferentes.

LOPEZ: Você me lembrou disso. Eles a amam. Eles amam muito Judy.

ZELLWEGER: E você também.

LOPEZ: Não, eles amavam Selena e ela havia morrido dois anos antes, então eles disseram: “É melhor você não estragar tudo!” Felizmente eu era jovem e mais ignorante. Agora, se eu tivesse que fazer isso, eu estaria tão na minha cabeça, muito mais na minha cabeça, seria muito mais difícil, eu acho.

AWKWAFINA: Cara, eu tenho esse filme e assisto o tempo todo.

JOHANSSON Você não estragou tudo. (riso.)

Awkwafina, The Farewell foi seu primeiro papel dramático. Que tipo de pressão isso adicionou?

AWKWAFINA: Adicionou muita pressão. Fiquei muito, muito assustada, porque você acha que sabe o que as pessoas pensam de você, mas você não sabe o que pode fazer [sobre isso]. Você cria todos esses cenários diferentes em sua cabeça sobre o pior e o melhor que pode acontecer, e deseja lutar por esse tipo de melhor invisível que nunca se tornará realidade. Mas esse esforço é o que você segue, e sem as neuroses, sem o ódio próprio, sem a síndrome do impostor, teria sido mais difícil. Mas acho que era o personagem – eu realmente me relacionei com ela.

Quando você fez escolhas em sua carreira como uma maneira de mudar suas expectativas?



JOHANSSON: O clima está tão diferente agora, há tantas oportunidades maravilhosas para mulheres de todas as idades interpretarem todos os tipos diferentes de pessoas. Quando eu trabalhava nos meus 20 e poucos anos e até no final da adolescência, senti que, de alguma forma, era considerada hipersexualizada, o que acho que na época parecia bom para todos – era outra época – mesmo que não fizesse parte da minha vida e da minha narrativa. Foi meio que criado para mim por provavelmente um monte de caras na indústria. Mas foi realmente difícil para mim tentar descobrir como deixar de ser uma receita ou a “outra mulher” porque nunca foi algo que eu pretendia. Eu tive que agitar um pouco. Lembro-me de pensar na época que talvez eu precisasse de um emprego diferente nesse setor que fosse mais gratificante, porque parecia que não havia para onde ir. Então, na verdade, tive a oportunidade de fazer uma peça de Arthur Miller na Broadway, e isso redefiniu totalmente todo o meu modo de pensar sobre como eu poderia trabalhar e que tipos diferentes de oportunidades poderiam estar disponíveis para mim.

ZELLWEGER: Quando jovem, eu começava os trabalhos de bermuda e a outra mulher, a garota de uma noite, e fazia cerca de três ou quatro desses pequenos trabalhos no Texas enquanto ainda estava na universidade. E pensei: “Acho que não vou mais fazer isso porque sei para onde vai chegar esse caminho. Não sei como será, no final das contas, mas aposto que seria muito difícil sair dessa estrada.” E há a inevitabilidade de seu corpo mudar e você envelhecer. Quero trabalhar de maneira a poder retratar mulheres que se relacionam ao longo da minha vida. Eu não quero ter que parar em um momento específico, porque não posso mais usar os pontos de corte porque parece estranho.

LOPEZ: Aposto que ainda parece bom. (Riso.) Como você lida com a maneira como é abordado pela imprensa, especialmente com a cobertura mais tablóide?

DERN: Não colocando ninguém em uma posição embaraçosa, mas – e eu sei que todos enfrentamos isso, a dificuldade de tentar manter a vida privada – mas devo dizer que você (em relação a Lopez) carrega esse outro dom extraordinário de ser icônico em essa história maior. Sabendo como me senti, há momentos em que passarei em uma capa de revista e sentirei pesar por alguém ter que percorrer essa narrativa obscena que é criada.

LOPEZ: É engraçado, desde o começo, eu fui realmente escolhido e atormentado por isso. Muitas histórias, muitas mentiras, muitas coisas em que você está tentando descobrir: “Como isso aconteceu? Como eu me tornei essa pessoa?” O que eu aprendi é que nada disso importa. E isso realmente não me incomoda mais. Aprendi que sei quem sou, sei o que faço, sei que sou uma boa pessoa, sei que só estou aqui trabalhando demais e tentando me realizar criativamente. Houve um tempo na minha vida em que foi uma parte tão grande e tão dolorosa e tão difícil que você pensa: “Eu não quero mais fazer isso, não quero ser a pessoa na capa da a revista toda semana, durante dois anos e meio, não. Isso é loucura. Por que eu?”. Eu acho que honestamente o American Idol ajudou muito nisso. De todas as coisas que eu fiz na minha carreira, as pessoas realmente me viram falar sobre o quanto eu amo música e o quanto amo as pessoas e o quanto sou uma garota e como sou uma chorona – as coisas mudaram.



Dois cineastas, como Martin Scorsese, falaram contra os filmes da Marvel recentemente. Scarlett e Lupita, estou especialmente curiosa sobre o que vocês acham dos filmes da Marvel serem chamados de parques temáticos dos filmes?

JOHANSSON: Certamente há um lugar para todos os tipos de cinema no momento. As pessoas absorvem o conteúdo de muitas maneiras diferentes. Na verdade, eu não entendi totalmente essa afirmação, porque acho que precisava de um insight sobre o que isso significava exatamente. Porque para mim parecia um pouco antiquado. Mas alguém me indicou que talvez o que a afirmação significasse fosse que não havia espaço para filmes menores, porque o cinema é ocupado por esses enormes sucessos de bilheteria, e filmes menores não têm chance no cinema, o que eu não tinha realmente considerado e acho que é um ponto válido. Mas também sinto que há uma espécie de mudança na maneira como as pessoas assistem às coisas e há todas essas plataformas para diferentes tipos de conteúdo. Agora há filmes e shows e filmes de arte e todo tipo de coisas que você pode assistir de todas essas maneiras diferentes, e eu sinto que isso está mudando. Isso não significa que está indo embora.

Lupita, você trabalhou com Jordan Peele, Steve McQueen, Mira Nair e Ryan Coogler. Você está fazendo essas escolhas especificamente para trabalhar com diretores que estavam sub-representados no passado?

NYONG’O: Definitivamente não é uma coisa calculada. Todos esses diretores me ofereceram os papéis mais interessantes. E eu os peguei. Eu realmente não pensei na demografia do diretor com o qual estou trabalhando. Esta época #MeToo, desta vez na indústria, é sobre permitir uma representação equitativa. E como sou negra, sou beneficiária desse movimento no trabalho que pude fazer. Sou muito grata por ter entrado na indústria no momento em que estou, porque estou me beneficiando dos esforços de muitas outras mulheres que vieram antes de mim, outras mulheres negras que tiveram isso muito mais difícil do que eu. Este é um momento em que há um esforço conjunto para considerar a diversidade e a inclusão. O que eu realmente quero é que não seja uma moda passageira, não seja uma tendência. No momento, é realmente estúpido, legal e tendência trabalhar com mulheres e grupos sub-representados, mas o momento de maturidade na indústria é quando é apenas a norma, sabe?

LOPEZ: Certo. Quando eu comecei, uma das coisas que eu queria fazer, porque eu era porto-riquenha, latina, era que eu queria estar em comédias românticas, porque eu sentia que todas as mulheres em comédias românticas sempre pareciam da mesma maneira, elas eram sempre brancas. E eu era como, se eu posso fazer isso e apenas mostrar que sou igual a toda garota – porque eu sou a romântica sem esperança, eu sou isso – eu sou a mulher trabalhadora solteira, eu era essas coisas. E lembro-me de pensar: preciso protagonizar uma comédia romântica. E essa é uma das coisas pelas quais eu fui e é uma das coisas que eu e meus agentes falamos.

NYONG’O: Essa é a questão – quando a raça da pessoa na comédia romântica não é o ponto. Há momentos em que o grupo cultural, o grupo religioso ou o grupo nacional é o assunto, e há momentos em que não é, e ambos são radicais, entende?

AWKWAFINA: Sim, com certeza.

NYONG’O: Assim como Jordan no gênero do terror, muitas vezes você tem personagens negros em primeiro plano. Então, ele está revolucionando esse gênero – que os negros não morrem primeiro em seus filmes. E [raça] realmente não é o ponto. Qual é o ponto é que é um exame de classe e privilégio. A família que estamos seguindo é representativa da família totalmente americana. E que você pode se relacionar com essa pessoa tanto quanto eu relacionei com Fräulein Maria em The Sound of Music. Que é possível que possamos nos ver nas pessoas que são diferentes de nós, de outras culturas, outros credos.

AWKWAFINA: Há uma necessidade genuína de o público desejar um setor que represente sua vida. É por isso que sou muito positivo em relação à direção que estamos seguindo. Não acho que ter pessoas de diferentes culturas ou mulheres seja uma tendência, porque acho que é isso que as pessoas querem. Estamos mudando como sociedade.

DERN: E se posso acrescentar a isso, acho que é porque o dinheiro importa e eles estão ganhando dinheiro.

NYONG’O: E o público está maior e mais mobilizado e diverso. Agora, com as mídias sociais, você não pode mais estar na sua pequena sala de reuniões e dizer o que o público está procurando. Essa foi a loucura – “Os filmes negros não vendem. Ah, ninguém quer ver uma latina fazendo uma comédia”.

DERN: Ou então, “Os filmes femininos não geram dinheiro”.

Faz dois anos desde que #MeToo e Time’s Up varreram o setor. Que tipo de mudanças vocês estão vendo agora?

ZELLWEGER: Eu escuto as conversas e estive em parcerias profissionais com homens que fazem escolhas diferentes agora, mesmo que seja apenas para esclarecer quais são suas intenções.

LOPEZ: Eles são definitivamente mais cuidadosos agora.

ZELLWEGER: Sim, eles mantêm a porta aberta. Ou então, um cavalheiro disse: “Não me encontro apenas com mulheres. Sempre me certifico de que haja mais alguém aqui, porque não quero que nada seja mal interpretado ou mal compreendido e que ela se sinta confortável”. Então você vê que existem diferentes escolhas sendo feitas.

LOPEZ: Nós nos levantamos e dissemos: “Ei, nós não queremos que isso continue e isso já dura muito tempo e é o suficiente”. Em uma nota mais positiva, temos filmes como Hustlers e Little Women e todos esses outros filmes em que há mulheres na linha de frente, e estamos produzindo e dirigindo, escrevendo e editando.

AWKWAFINA: Isso sempre é muito interessante para mim quando ouço isso porque quando comecei, os dois primeiros diretores com quem trabalhei eram mulheres. E quando ouço sobre a indústria que existia – que isso era realmente raro – é impressionante para mim. Não consigo imaginar não trabalhar com uma mulher no comando de um projeto, como em tudo.

Você sente que a cultura em torno de cenas de nudez e sexo nos filmes mudou na maneira como é discutida agora? E como isso afetou as escolhas que você faz como atrizes?

AWKWAFINA: Certa vez, tive uma cena de masturbação no banheiro da escola e lembro-me de me preparar tanto para ela, como praticar em todos os lugares em que estava, como “Qual é o meu rosto padrão?”. E então minha avó assistiu ao filme e a cena da masturbação apareceu e ela assistiu. Eu estava tipo, “Vovó, me desculpe.” Ela estava tipo, “Sobre o quê?” Eu estava tipo, “A cena agora”. Ela, “Oh, por quê?” E eu fiquei tipo “Porque eu estava me masturbando”. E ela, “Oh, eu nem percebi.” E eu fiquei tipo, “Oh, isso não é bom. (Sarcasticamente) Eu arrasei, sim, super arrasei”. Enfim, minhas mãos estão suando agora, alguém pode fazer a pergunta?

Jennifer, você contou uma história antes sobre um diretor pedindo para você tirar a blusa antes de gravar uma cena.

LOPEZ: Um diretor de uma montagem me pediu para tirar minha blusa.

JOHANSSON: Para ver o quê?

LOPEZ: Porque eu deveria fazer nudez no filme.

JOHANSSON: Oh, eles queriam ver seus seios?

LOPEZ: Ele queria ver meus peitos. E eu fiquei tipo, “Nós não estamos no set”.

JOHANSSON: Isso é loucura.

LOPEZ Bem, ele estava louco. E…

JOHANSSON: Oh, meu Deus, quem era?! Eu quero saber.

LOPEZ: E eu disse que não, me levantei. Mas foi tão engraçado porque me lembro de estar em pânico no momento. E, a propósito, havia uma figurinista na sala comigo. Então havia outra mulher na sala e ele diz isso e eu disse que não. Felizmente, um pouco do Bronx apareceu, e eu fiquei tipo: “Eu não tenho que mostrar – não. No set, você os vê”.

JOHANSSON: Felizmente, você era assim, porque nem todo mundo se sentiria assim.

LOPEZ: É isso, porque se você ceder, naquele momento, de repente, essa pessoa estará em movimento, pensando que pode fazer o que quiser. E porque eu coloquei um pequeno limite ali mesmo e disse não, ele se demitiu e depois pediu desculpas. Mas, no minuto em que ele saiu da sala, a figurinista disse: “Sinto muito, sinto muito por ter acontecido”.

JOHANSSON: Eu sinto que isso ainda pode acontecer. Eu não acho que estamos longe disso. Eu estava conversando com alguns membros da nossa equipe do último filme que fiz, sobre comportamentos inapropriados em geral, e eles estavam falando sobre um DP em particular que fazia todo tipo de coisa louca, tirando saias, e nosso primeiro anúncio teve que sair vá até a atriz e diga: “Ei, só para você saber, talvez você queira conferir e ver, porque acho que o ângulo da câmera talvez não seja algo com o qual você se sinta confortável”. Ela não fazia ideia.

NYONG’O: A diferença agora, porém, é que, devido às conversas que estão acontecendo em público, é mais fácil saber quando algo é inapropriado.

LOPEZ: Um pouco mais habilitado.

NYONG’O: Porque naquele momento, se a figurinista tivesse dito alguma coisa, poderia ter mudado. Se ela tivesse apoiado você de alguma forma, tivesse falado, isso teria mudado a dinâmica. Então agora estamos programando a geração mais jovem para saber o que é bom e o que não é. Saber que não há problema em vestir um traje e para um homem perguntar isso a você. Mesmo que essas coisas possam acontecer, nossa defesa seria mais nítida nesses momentos.

DERN: Comecei a audição aos 10, 11 anos de idade. Eu ouço a próxima geração, dizendo: “As pessoas costumavam fazer audições em quartos de hotel?” Eu sou como, “Sim, toda vez, esperando no lobby de um hotel e o diretor está esperando você na sala para ler uma química.

LOPEZ: Sim, não parecia estranho.

AWKWAFINA: Você teve leituras e audições em quartos de hotel?

DERN: Oh, o tempo todo.

ZELLWEGER: Sim, com muitos diretores de elenco também, a propósito, mas isso era conveniente se eles estivessem olhando para fora da cidade ou o que quer que fosse.

LOPEZ: Casas de atores.

ZELLWEGER Ah, sim, tem isso também. Eu esqueci tudo isso.

LOPEZ: E às vezes não era inapropriado. Foi totalmente profissional. Portanto, não é como se você pudesse colocar todo mundo nessa categoria.

ZELLWEGER: Não, era apenas uma oportunidade de ser inapropriado se você estivesse tão inclinado.

NYONG’O: Mas agora também existem treinadores de intimidade. Não me pediram para fazer muita nudez na minha carreira, mas ouvi dizer que agora eles têm treinadores de intimidade no set, o que eu acho realmente ótimo. Quando você tem uma cena de luta, você tem um coordenador de luta, por que não ter um coordenador de intimidade?

LOPEZ: Em Hustlers, tínhamos um treinador de conforto. Foi basicamente alguém que entendeu o mundo e disse: “Essas coisas estão bem” e “Essas coisas não estão bem”.

NYONG’O: Oh, isso é bom.

LOPEZ: E deixou todos no set confortáveis ​​com o que estavam fazendo, porque tínhamos muitas mulheres seminuas ou nuas, de topless.

AWKWAFINA: Esse treinador de intimidade funciona apenas para pessoas normais?

DERN: Eu ia dizer, podemos pegá-los como um presente de embrulho?

AWKWAFINA: Eu sou muito ruim em contato visual na minha vida pessoal, então eu adoraria conversar com eles.

A Elle divulgou na quarta-feira, 09, as capas da nova edição de novembro, Women In Hollywood, numa das quais Scarlett estrela e também uma entrevista que a atriz deu à revista. Confira abaixo a sua tradução:

Scarlett Johansson é uma mulher feliz que não consegue parar de interpretar mulheres tristes.

No início de Marriage Story de Noah Baumbach, vemos a Nichole, personagem de Scarlett Johansson, uma mulher em seus trinta e poucos anos que é apaixonada por cardigãs com cor de aveia e cuja bio do Instagram poderia ser lida como “mãe, esposa, atriz, nesta ordem” sentada em um sofá dentro do escritório da sua advogada de divórcio. Logo, ela mergulhará em sua história, um monólogo de seis minutos de duração, que é igualmente cru e preciso: a história de alguém que não é verdadeiramente ouvida há meses, talvez anos (e uma cena que provavelmente irá ressurgir durante transmissões de premiações). Mas primeiramente, Nicole é apenas uma mulher num sofá — parecendo muito cansada em uma camisa enrugada e com um corte de cabelo Faça-Você-Mesma — esperando. Quando a sua advogada (Laura Dern) finalmente entra, impecavelmente penteada mas pedindo desculpas por estar parecendo “desgastada”, Nicole olha para a sua própria camisa e suspira. É um pequeno momento, mas um que fez essa exausta mãe, esposa e jornalista se sentir vista.

Johansson também sentiu um quase que estranho senso de conexão quando Baumbach lhe deu o monólogo durante o almoço no outono de 2017. “Foi a primeira parte que o Noah me deu, e de alguma maneira pareceu familiar, mas não pelo que eu estava experienciando na época,” diz a atriz, 34, que no momento estava enrolada em sua própria separação, do curador francês Romain Dauriac. “Mas talvez por conta de como eu cresci, e a dinâmica entre meus pais — ou talvez porque conheço mulheres que se dedicavam à visão de seus parceiros e então saíram desse relacionamento que durou uma década se sentindo quase como uns fantasmas.” Ela complementa, também, que já esteve nesse lugar, e que a verdade na história da Nichole foi o que a animou. “Eu não hesitei mesmo, porque eu sabia que teria a oportunidade de dizer aquelas palavras,” ela diz. “Noah me deu aquele monólogo, e eu fiquei tipo, ‘Bem, droga, vamos lá.’ Eu vou ficar, ‘Nah, eu estou bem — deixe alguma outra atriz ficar com isso’? De jeito nenhum.”

Johansson está retransmitindo de Londres essa história, onde ela está na reta final de filmagens de Black Widow, que estreia próximo maio, o qual ela estrela e produziu. Pouco mais de uma semana antes, a Forbes a nomeou como a atriz mais bem paga pelo segundo ano consecutivo, com seus faturamentos de 2019 atingindo a marca dos $56 milhões. Ela acabou de retornar de Veneza, onde Marriage Story estreou com reviews brilhantes. Quando essa história chegar nas bancas, plateias já a terão visto em Jojo Rabbit, sátira comovente sobre o Holocausto de Taika Waititi que entrega o peso emocional de Life Is Beautiful com uma colherada da extravagância de Moonrise Kingdom. Quando você analisa tudo isso, fica claro que Johansson está no auge de sua carreira.

“Eu estou em um bom período criativo,” ela admite, enquanto também reconhece que “tudo vai e vem, e às vezes você está nadando em uma onda, e então a onda abaixa, e aí você está esperando por outra onda”. Considerando a trajetória da sua carreira até aqui — com papéis memoráveis em filmes como Lost in Translation e Match Point (pelo qual ela ganhou indicações ao Golden Globe), e também uma performance ganhadora do Tony Awards em A View From The Bridge da Broadway — pode ser difícil apontar os vais, apesar de já ter havido alguns.

Depois de ser repreendida por possíveis papéis inapropriados em Ghost in the Shell e Rub & Tug (ela abandonou o papel em meio à controvérsia; o projeto está agora no limbo), Johansson disse a um repórter que “como uma atriz,” ela deveria estar autorizada intepretar “qualquer pessoa, qualquer árvore, ou qualquer animal.” (Ela depois esclareceu a declaração, dizendo que em um mundo ideal a arte deveria ser imune ao politicamente correto). Dois dias depois de nos falarmos, ela está nos noticiários mais uma vez por defender o diretor de Match Point, Woody Allen, que foi acusado de molestar sua filha adotiva (uma acusação a qual ele nega repetitivamente). Para seu crédito, os críticos de Johansson não encontrarão nada para discordar em seus filmes atuais, ambos parecem extraídos das fontes mais autênticas de história pessoal.

Em 2017, durante um episódio de Finding Your Roots, Johansson descobriu que o tio de sua mãe e dois primos morreram no Gueto de Varsóvia durante a Segunda Guerra Mundial. Waititi de Jojo Rabbit baseou o papel de Johansson em sua própria mãe judia, assim como em “todas as melhores mães solteiras que eu já conheci,” ele diz. No filme, a personagem dela serve como um raio de bondade e esperança em um mundo que está desmoronando. “Eu quis mostrar uma mulher que, apesar de toda a insanidade que estava acontecendo, foi capaz de se concentrar em dar ao seu filho a chance de ser uma criança,” Waititi diz. Johansson, que compartilha da sua filha de cinco anos de idade com o seu ex-marido Dauriac, é na verdade “uma pateta muito divertida” ele acrescenta.

“É engraçado, porque eu nunca tinha interpretado uma mãe antes,” Johansson diz, “e agora, de repente, eu tenho dois filmes seguidos que eu tenho filhos que têm, tipo, oito ou nove anos. Atores vão até onde precisam ir, tendo eles vivido isso ou não, mas [esses papéis] tiveram uma ressonância mais profunda comigo por causa da minha própria experiência pessoal”.

Quatro anos antes de Scarlett Johansson nascer em New York City para o arquiteto dinamarquês Karsten Olaf Johansson e a produtoraa Melanie Sloan, o filme Kramer vs. Kramer, estrelando Meryl Streep e Dustin Hoffman como um casal afastado em uma amarga disputa de custódia, ganhou Melhor Filme no Academy Awards. Muitos anos antes disso, a minissérie de Ingmar Bergman que virou filme, Scenes From a Marriage, foi culpada por um aumento histórico de divórcios na Europa. Na mesma época que ela era uma adolescente, os próprios pais de Johansson se separaram. O que Marriage Story,  uma tacada contemporânea na instituição, deixa claro é que o sentimento confinado que Streep retratou em Kramer ainda existe, em um relacionamento supostamente progressista.

“[A personagem da] Laura dá um incrível discurso sobre essa fachada de igualdade,” Johansson diz, “onde a mãe é a Virgem Maria, e Deus está lá em cima e nem mesmo houve uma foda. Te faz pensar duas vezes sobre com o quê a verdadeira igualdade de gênero se parece, e se é possível.”

Baumbach não sabia que Johansson estava enfrentando um divórcio quando ele a convidou para um almoço naquele fatídico dia, mas escrever a personagem com ela em mente lhe deu a confiança de tentar coisas que ele poderia não ter tentado caso contrário. “No papel, um monólogo de sete páginas em um script pode parecer assustador,” ele diz. “Mas eu fiquei animado com isso, pensar que era ela.” Promover um filme sobre divórcio enquanto celebra um novo amor também parecem um pouco assustador, mas Johansson, cujo casamento com Colin Jost do Saturday Night Live foi anunciado lá em maio, está à altura da tarefa.

“Minha habilidade de compartimentalizar se faz útil quando é hora de coisas assim,” ela diz com uma risada. “Eu estou certamente, obviamente, bastante feliz e realizada na minha vida pessoal, mas eu também sou uma soma de muitas peças, e capaz de acessar diferentes partes da minha história e de como eu cheguei até aqui. É tudo valioso.”

O texto original pode ser lido aqui.